傑米鹿｜Travel.Life.Music

「我有時也會想，是不是所有的東西一定要娛樂化，才能讓大家接受？我們如今在做音樂或其他行業的時候，都會考慮很多，但怎樣才能讓你自己多考慮一下「自己的感受」，你傳達出來的東西才是真實的你自己？而不是設定好的你？你有沒有勇氣在這個世界上，為和你類似的靈魂多說一些東西？」——郭頂

文：傑米鹿 // 場地提供：T.park

郭頂是位來自北京的音樂人、製作人、歌手，在去年年底發行了《飛行器的執行週期》專輯。這張專輯的質地很特別，有短評說「這張專輯終於讓中國有了太空敘事的概念性專輯」，聽來很玄，也很實際。再不知道專輯的主軸概念前去聽，聆聽過程十分舒服，尤其節奏組編曲聽來起異常爽快、Grooving特別好，會掉入某一種專輯營造出來的空間和音牆裡。而在知道了專輯主軸後，你會知道這整張專輯全是一篇太空的敘事詩，浪漫而讓人神迷。

「我很在意專輯這個東西，不是說你只能把音樂做好，而是能傳達一個概念，一個精神層面的東西，帶給大家一些想法，如果我能做到這樣的事情，我會很開心的」——郭頂

1.郭頂你好，歡迎來到台灣，這是第一次來台灣嗎？這趟宣傳行程去了哪些地方？

今天凌晨才到，但如果有時間還是想去逛逛，想去夜市，因為我也很愛吃，本地的小吃這樣。  

2.請你做個自我介紹，有很多台灣的聽眾朋友對你非常好奇，是怎麼開始寫歌的？

大家好我是郭頂，這名字對大家來說應該比較陌生，是從這張《飛行器的執行週期》才開始。雖然之前我就發過唱片，但台灣都沒有發行。這次很高興能來台灣做宣傳，和大家說說專輯的創作、創作理念等等。  

3.看過資料說其實你沒有真正學過音樂，所有事情都是自己摸索，因此好奇你是怎麼樣開始寫歌的？

我相信很多人寫歌都用最簡單的方式，就是哼。可能有些人天生對音樂感覺好的時候，會先透過單條的旋律去做創作，接下來通過輔助的器具，像樂器、軟體，甚至出門聽見各種聲響，就把它放到編曲裡，或者以此作為動機，去循環再編曲裡頭，這也是創作一種創作的方式。

4.在《飛行器的執行週期》中有許多環境音，另外整體的音色和音場聽得出也有經過特別的設計，而有特別的空間感，聊聊這部分的製作過程與想法是什麼？

是，這張專輯有些環境音，會這樣做是想帶給人某一種氛圍，不一定是安靜的或乾淨的，傳統唱片在做，都希望做出一個非常乾淨的聲音，會通過EQ的設定，把一些髒的東西都去掉了，但這張我們沒有特意用機械性的處理把聲音弄的特別乾淨。 這是因為在這張專輯中，我想嘗試老式的音樂，好比60、70年代的Rock & Roll、Blues Rock，根源式的簡單的，三和弦的音樂類型，用簡單的配置去做的東西。當然我知道現在這樣做，實際上是很老土的，很多音樂人現在根本不在乎這樣的做法，因為他打開電腦就能完成很多很多東西。但我還是希望用這種曾經感動過大家、能帶大家思考音樂的來由和根源的製作方式去做，去思考這些傳統音樂的做法該怎麼樣運用到現代音樂工業上去。 為了做到這種感覺，在錄製這張專輯時，我們跑了很多很多北京的樂器租借處、收藏家，要去把那個年代的樂器找出來，拿這些樂器下去錄才會有那個感覺，後來用卡車載了好多好多東西去錄音棚。

5.有一段專輯文案說：「在製作的過程，跳脫固有的製作流程，試圖找到最適合這張專輯的方式、保留了『自然痕跡與瑕疵』」，能否和我們解釋何謂『自然痕跡與瑕疵』？這樣做的目的是什麼？

如果你是個非常有音樂強迫症的話，你聽這張專輯不知道會不會受得了，因為專輯裡很多鼓，是沒有經過修正的，我也沒有用電腦去量化、調整，所以這是一張「非正確性的專輯」，它嘗試流行音樂很久都沒人嘗試的做法。 錄唱也是，基本上唱得不夠的地方我也不修，就讓它那樣了。我覺得人在唱的音本身就沒辦法那麼準，就跟鋼琴一樣，你用440hz跟442hz去調，它一定會有些不一樣。也許人聽到這編曲沒辦法唱完全準，但能產生些奇特的斜波，但這些斜波有新的泛音，進而去擴寬整個音樂的豐富度，也許能用鮮美多汁去形容吧……就因為沒有經過機械化的調整，所以聲音留下了更多東西去豐富整個聽覺。 樂器錄製也是，用著「隨他去的」的心態去做嘗試。我想大家看現場演出會感動，就是因為他不可複製，就這麼一次而已。就算有些小瑕疵也無所謂，大家是記得那個氛圍的感動。所以在這張錄音室專輯裡，也是在嘗試Live收音的方法。《飛行器的執行週期》應該算是個「乾淨版的Live專輯」，希望呈「錄音室和現場專輯中間」的聆聽質感。我喜歡的很多老專輯其實都是這種風味，老專輯礙於線材或錄音環境，因為錄音線路的底噪、遮蔽不夠時，會產生各種噪音，這噪音讓現在的人聽會產生奇怪、或不可複製的聆聽感，因為它沒有經過某種人為的設定，它就自然發生了，所以我希望在現在再嘗試用這樣的方式去做。 現在做專輯會希望把聲音的響度、音量做非常大，但這張也沒有這樣子做，雖然找了厲害的人做母帶，但我給他的要求還是希望他去保留原始錄音的味道，動態不要壓成平的，我覺得那樣「音樂會失去他原本該小聲的地方」，該小就小該大就大，許多地方都盡力去回歸原始的感覺。

6.想合作的台灣歌手是……？

挺多的，都挺想，像楊乃文、魏如萱……但你這樣問我，我直覺想到的反而是王治平老師、陳建騏老師，他們製作的東西都很有自己的味道。為什麼呢，好比我在找樂手的時候，我都希望他不是單純的樂手，而是音樂人，如果他是一個多樂器音樂人會更好，因為他會有音色的概念和自己的訴求，而不是自己彈出來，放在製作人的概念裡也是如此。  

 7.聊聊這次推出的專輯《飛行器的執行週期》專輯的概念是什麼？希望呈現什麼樣的感受給聽眾？

專輯中很多的中文和英文名稱是互文的，互相補足的。像〈落地之前〉是〈Fallen man〉、專輯叫《The Silent Star Stone》中文是「寂靜星石」，這四個字是出現在〈保留〉這首歌中的歌詞。〈保留〉不是這張專輯一定要大家聽到的歌，但如果你喜歡這張專輯也喜歡這首歌，就證明了你了解專輯的主線「人的情感是如此的偉大，但同時也如此的渺小。」專輯上也把英文標題的「H、E、R、E」上了不同顏色的字，是想傳達「我在這裡」的訊息。大家如果有買專輯的話可以多留意，裡頭很多巧思設計的。 這張專輯並沒有先設定好企劃。因為專輯在說的其實是一個故事，這在我當初在寫歌的時候就設定好了，寫的時候就照故事的軸線寫歌和歌詞。基本上能從專輯的封面和標題《飛行器的執行週期》，察覺這專輯和科幻有關，他有個時間概念在。「一個人在做一件事情的時候，就像行星公轉的運動」像地球繞太陽，轉的這一圈發生的事。那這件事一定是透過想像的，因為實際上我們沒辦法看到這件事，但我認為偉大的就是「人的想像力」。 我希望聽眾在聽的時候可以試著往兩條主軸去想，第一條是人的情感載體在未來會變得怎麼樣？或是說以後人跟機器或系統談戀愛要怎樣處理，這樣的方向去探究；另一條是人在愛慕或喜歡一個人的時候，自己是怎樣的狀態？當你再愛一個人的時候，你會覺得對方是一個遙不可及，好到你不可觸碰的狀態，這和自卑無關，但你愛上一個很好的人或事物，所以你對他所以的描繪就會用很多微觀的詞語，對方是巨大的，自己是渺小的。我想表達的是「人怎麼樣把自己的位置放在什麼樣的情境下，會有特別的感覺？」也許是時間的流逝，電影《星際效應》給我了這部分的靈感。也許你現在很好了，但把你放到另一個狀態，愛上另一個人，你也會有很大的變化。 有時候人會覺得好像墜落到黑洞，但那也許不是黑洞，只是個未知的地方，那地方就叫〈淒美地〉，你全新的發現體驗就開始了。接著在〈落地之前〉你又體會到什麼事情，漂流到〈水星〉看見了什麼，〈在雲端〉上又想著誰，這是個一系列的故事。

8.聊聊〈保留〉這首歌吧，我看微博上很多人喜歡這首歌。

你身處在未來科幻的環境，你是一個人工智能的人，你愛的那個人的系統必須進行刪除，那你要怎麼選擇？這首歌的英文名稱叫做〈Deleting〉，歌曲的情緒是很矛盾的。 當時這首歌要錄鋼琴的時候，我們就想「如果我現在是在地心引力和地球不相同的地方彈琴，會是什麼樣？」那按琴鍵要不然更費力或更輕，所以錄鋼琴時就想了些辦法，墊了些棉片在鋼琴裡面。這歌最大的訴求「有些事你也許忘了他的名字，但你忘不了他的樣子。」有些人對嗅覺名感，有些人是視覺，也許你想要刪除或找回你的記憶，但在這個過程中你想沈溺也好，找到方法也好，這歌想要傳達這樣的氣氛。

9.專輯整體氛圍一致，靈魂味與英倫感遍布每一首歌，不時穿插的電子聲響、吉他樂句，配著敘事情感十足的唱腔，非常有都會感。這張專輯在唱腔上設計的考量是什麼？

如果你聽過我之前的作品，就知道這次我的vocal和以前基本上就是完全不同的人在唱的感覺。可能是我發片間隔很長，另外是我覺得這張專輯適合這樣唱，嚴肅的主題，用「嚴肅腔體」唱。他沒有嘴角向上的唱，沒有要傳達快樂的情緒，就是個撲克臉去詮釋「冷感」的東西。專輯的溫度是來自音樂，來自60、70年代那個型態，包括專輯的歌詞文字也是相對冷的。 我希望透過這張專輯的做法和錄音方式，讓大家能回到那個唱片的黃金年代，創意和大師都層出不窮，瘋狂的年代，集體的思維和想像力爆發的年代中音樂製作方式，尤其是在現代做音樂其實很便利的時候。 我也是試圖加入現代的方式和技術去製作這樣老式的東西，如果用完全老式的方式做，我估計現代的聽眾也是聽不下去的（笑），畢竟聽覺習慣是個已經成型的東西，無法去改變的。  

10.我回去聽了您先前的幾張專輯作品，和這次《飛行器的執行週期》的風格其實非常不同，這次專輯收的歌曲特別有空間感、尤其節奏組Bass和鼓組我特別喜歡，能否聊聊專輯整體編曲上的設計？

這張專輯是一張做減法的專輯，製作方式是減法，情緒和傳達的信息是多的。我也擔心減法的東西大家聽起來會覺得無聊。但我也想一個人若是自己在某一個星球上，他一定會希望盡可能接收到更多的訊息。 這張專輯非常強調節奏，雖然這不是一張傳統R&B的專輯，但它很重視節奏組的編曲。每個鼓的設定在做Demo的時候就定下來了，在Demo就想到「如果這是樂隊式的專輯應該要怎麼做」，所以鼓手是一個靈魂角色，所以鼓的比重是很重的，人聲絕對不會貼前，用了很多老式效果器，包括這張專輯的響度也做得很適中，是希望他有更多的動態，小和大的區別和動態能出來，現在專輯都習慣把音量壓滿，雖然聽了很High，但那就是平的，因為音量的落差沒出來。

【郭頂推薦的三張專輯】

Beatles《White album》很簡單的極端表達方式，是我想學習的。
Blue Cheer《New! Improved!》在實際上還沒有金屬樂的時候，用了很多效果器，音色狂暴，非常有生命力。
The 1975 《The 1975》也是試圖用復古的方式做專輯，在流行和理念間有很好的平衡。

傑米鹿，本名李文豪，新媒體樂評人，音樂部落格「傑米鹿的音樂與行銷」經營者。文章散見於各潮流網站音樂專欄、Yahoo奇摩、 KKBOX 雜誌、BANG!紙本雜誌，曾採訪張學友、陳奕迅、等近百位歌手。 粉絲團：https://www.facebook.com/JamieDeer.music Youtube：https://www.youtube.com/user/jamiedeermusic

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